こんにちは。

「表現者なのに引っ込み思案」を

テーマにお話しています。

最初にコミュニケーションに

自信がない、不安を感じていらっしゃる方には

２つのタイプがあると触れていますが

それぞれのタイプの方に
どのように考えて行ったらいいのか
ちょっとしたヒントを

お話しようと思います。

安全な聴き手という存在になる

まず、

自分のことは開示したくないのだけど

他の人のことには興味があるケース。

自分に関して

敏感になっているので
とっさに自分を守る方向に

行ってしまいます。

こういうタイプの方は

声の出し方も特徴的ですし、

呼吸も安定しにくいです。

一番は

弱点である「声」を出さずに
相手の呼吸を感じること、

それには聴く姿勢を変えた方がいいので

レッスンでは目線の取り方をチェックします。

ご自分をアウトプットするよりも

安全な聞き手であることを

体感できると

自己開示も自然に進みます。

ここは言葉で説明すると

なんのこっちゃ、になるのですが

実際にワークを重ねていくと

「おおお」と

わかってくださるようです。

身体が鳴る

次は、

自分のことを知ってほしいけれど

他の人には興味が薄いケース。

このタイプは

他の存在と共鳴する経験が少なくて、

どちらかというと

他の人のことを

無関係か脅威かのどちらかに

分別していることが多いです。

このタイプの方は

相手への興味を持つことを

やってみようと思っても

ムリなので

まず、身体レベルの同調を先に行うと

心理的な興味の回路が

それによって育ってくれるので

効果的です。

そもそも演奏家や俳優など

表現者なのに

自分の身体が鳴る、

という感覚がない方も

時々いらして

他の形でそれを補ってきたのか

それとも

なくてもいいと思っていたのか、

首をひねることもありますが

呼吸のワークで

そこに目覚めると

確かな感覚が得られるので

不安がなくなると

おっしゃってくださる方は

多いです。

がんばることはいらない

大切なことは

「がんばってコミュニケーションをとる」

ということではなくて

自然と相手とつながれる、

ということです。

相手に対して構えてしまう、

本当の自分が出せない、のは

性格ではなくて

身体的な防御反応なので

身体の安全を実感できれば

心は後からついてきます。

身体を開くこと、

身体を緩めること、

身体の中に余裕を作ること、

そのためには

呼吸のアプローチが

かかせないのだと

理解していただけるといいなと

思っています。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

身体の余裕、心の余裕は

なにから生まれると思いますか。

こんにちは。
表現者だけど
コミュニケーションに不安がある方は
多いということと

その背景には
2つの欲求が同時に交わっていることを
お話しました。

身体の方から考えてみる

コミュニケーションの問題を
考えるときに

それは気持ち、精神的なものだから
メンタルなことから
なんとかしようと考えるのが
一般的なのかもしれません。

こういうふうに考えるといいよ、とか、
こういうアプローチがあったら
こういう考え方をして
こういう受け答えにしたら、など
ハウトウを学んだりするのだろうと。

でも、その方向性で
なんとか解決しようとすると
なかなか難しいです。

そもそも、
メンタルを自分でいじるのって
できますか？

こうするといい、と
思いこんだところで
思っているのは自分なので

安定しているときや
前向きに興奮しているときは
よしよし、この調子、って
思えるけれど

問題が起こるときは
そんな状態ではないんです。

自分でもうまくコントロールできないから
そういうことになってるわけで、

暴走している、もしくは
ドツボにハマって抜け出せない、

そんなときに
「はい、こういうときは
●●って思えばいいのよ」と
言われたところで
もう無理、なわけです。

なので、
その方によりますけれど

「こういう考え方を
したらいいんじゃないの」方式は
予備として持っていて

メインはそこにしない方が
いいように私は思っています。

自然に生まれる感情

気持ち、精神的なものは
実はすごく身体的なところに
影響されています。

身体の自由がなく、
閉じてしまうと
思考も心も警戒モードになります。

呼吸が浅くなったり
胸郭が締まったり、
首や肩が緊張したり、凝ったり

目の焦点が合わない、
唾液が出ずに喉がカラカラになったり、
声帯の動きも緩慢になったり

いわゆる交感神経が過活発な
状態ですよね。

これが相手とのナチュラルな
コミュニケーションを阻みます。

動物として「ここは警戒すべき」
「自分のスペースではない」と
なるからです。

反対に自分が安全だと身体が判断すると
心も柔らかく開きます。
（自律神経に関する神経理論として
提唱されています）

つまり、
まず自分が身体的に安全であるという確証を
得ることから始める必要があります。

他の人と交わる前に
自分が「攻撃されない状態」に
ならないといけないわけですね。

そのためには
身体が安定すること、ですから
一番に求められるのは
呼吸の安定なんです。

いくら筋肉マッチョで
パワフルなことができても
呼吸が安定していなかったら
動けないのです。

呼吸が安定すると
重心が安定しますし、
そうすると視野が広がります。

遠くの「敵」まで
見えるようになると
自分の中で準備ができるので
視野の広がりはとても大切なのです。

そして次に大切なのは
いきなり双方向の交わりを求めないこと。

片道だけ、段階を踏んで行うのは
すべての基本のようにも思います。

以前にもお話した
What ではなく、Yes-noクエスチョンに
することに近いかもしれません。

自分の心や思考を
変えようとするのではなくて

動かすのが楽な、身体から動かすことで
身体の微細な解放、

たとえば、
胸郭を優しく丁寧に広げると

呼吸が変わり、
声の響きが変わり、

それを聴覚で感じると
身体の中に余裕と喜びの感情が
追随してくるのです。

その感情は
むりやり思いこんだものではなく

身体由来で生まれたものなので
確かで、フレキシブルで、自由です。

ブレイクスルー呼吸®のレッスンでは
その方に合わせて
ここの部分をワークとして
行っています。

見た目は何も変わったことは
ないのですけれど
その方がご自分の呼吸に向き合った瞬間、
そのような感情が生まれる素晴らしさは
私自身、毎回感動しています。

もう少し続けます。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

「こういうふうに観客に思わせようと
してるんだろうな」と
見え見えのパフォーマンスに出会ったとき
どんな感情が生まれますか。

こんにちは。

今回は、表現者の方の
人とのコミュニケーションへの
不安や自信のなさを解決するために
呼吸がどのように関わっているかを
お話していこうと思います。

出たがり＆目立ちたがり

表現の仕事をしていたり
人前でなにかをすることが好き、
もしくはやってみたい、人は

コミュニケーションに問題なんか
抱えているわけがないと
思われがちなんです。

乱暴な言葉で言うと
表現者の人って
「出たがりの人たち」って
他の人から思われているんですよね。

物おじしない、
いつも堂々としている、
友だち知り合いたくさんいる、
どこでもうまくやっていける、
ハキハキ明るくてリーダー気質、
どこにいても目立つ、

そんな人種だから
表現の仕事をしているのでは？
と思われていますが

いーや、
そんなことはないんです。

ジャンルや楽器によって
そういう価値のなすりつけ合い、
もあるわけで

「あたしたちみたいに
顔の半分しかお客さんに見せない
慎ましやかなピアニストと違って
歌の人は正面向いて大口開けてて
とてもじゃないけど真似できない」

・・・などと
とんでもない言いがかりを
つけられたりもするわけです。

歌の人だって、
畳にのの字を書いているような
恥ずかしがり屋さんもいるので
（いないか・・・）

そんな言われ方をされるのは
心外なんですが

それでも「一般の人」からすれば
そもそも舞台に立って人前でなんかする
（それも常軌を逸したようなことまで）
のだから、コミュニケーションに
不安なんてあるわけないと
思われるのですよね。

でもそれは違います。

引っ込み思案、人見知り、口下手な
表現者の方は本当に多くて
表現者であるがゆえに
苦悩も大きいのです。

くっつきたい、離れたい
 

コミュ障、というと
少し方向が違ってしまうので

ここでは本当にシンプルに
「人と対峙することに自信がない、
気が進まない、どうしたらいいか悩む」
ということとしようと思います。

この場合、少なくとも
２つのタイプがあるように思います。

ひとつは、
自分を開示するのはできないけれど
他人のことには興味がある、
関わりたいと思う、と言うタイプ、

もうひとつは
自分のことを知ってもらいたいけれど
他人と関わるのはなかなか難しい、
と言うタイプです。

まったく反対のようですが
両方とも意識の底に
人とつながりたいという原始的な欲求と
傷つきたくない、脅かされたくない欲求の
同時発火があります。

接近したい、と、
回避したい、という相反する欲求が
同時に起こってしまうのですね。

実は表現は接近する、回避する、
その両方のバランスから
生まれています。

ブレイクスルー呼吸®のレッスンでは
張力を活用して
舞台上での発声にアプローチしていますが

この接近と回避のバランスは
表現そのものの源質です。

たとえば、接近の方が強くなると
感情が開くので、

声や息、身体の動きが加わり
共鳴が広がることで他者との回路が
生まれます。

回避の方が強くなると
内に向かうエネルギーが強くなるので

感覚が繊細になったり、
芸術的に内省的になったり、
余白や休符の感受性が高まったりします。

つづく。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

引っ込み思案って

何を引っ込めているのだと思いますか。

こんにちは。

「なんで、できないの」と

おっしゃる先生には、

もしくは、言われる場合には

二通りある、というところまで

お話してきました。

続けます。

先生と生徒のミスマッチ

さて、いくら二通りあるからといって

「なんで、できないの」と

先生が生徒さんにおっしゃるような状況を

作ってしまう、

作られてしまうとしたら、

実はその先

上達する可能性は低いのだと

思っていただいていいのです。

「なんで、できないの」と

言われるようレベルだから上手になれない、

というのではありません。

先生と生徒は、つまり

指導する側、される側の間に

どんなコミュニケーションが

築かれているかというのは

上達するかしないかの

大きな分かれ目になっているからです。

いくら優秀な生徒をたくさん輩出している

有名な先生につこうが、

いくらコンクールを荒らしまくって

知らないものはいない、レベルの

生徒であろうが

指導する側とされる側の

コミュニケーションが歪むと

ダメなのです。

このことは、

ある程度のレベルになると

おのずからわかってくるので

そうそうミスマッチはないのですが

そこそこうまくなった、ぐらいの方たちが

ぶつかる壁でもあります。

どんな場合でも

上手になりたい、テクニックを知りたいから

教えを請う、レッスンに通うという方が

ほとんどだと思うのですが、

そこに少しズレがあることがあります。

つまり、習うということは

指導を受けるということは

受け身を取ることではない、

指導を受ける側から

指導者に対しての

発信がなければ、

発信ができる状態でなければ

ダメなのだということです。

いやいや、

そんなおこがましい、

生意気なことはできません、

あくまでもこちらは教えをいただくのだから

そんなことはできません、

そうおっしゃる方も

あるのかもしれませんが

けっして、先生に楯突くとか

そういうことではないのです。

むしろ、コミュニケーションが

一方的にしかないということは

怠慢でもあると言い切って

いいかもしれません。

コミュニケーションをとるということは

アウトプットするなにかを

備えていなくてはならないということです。

それだけたくさんのものを

準備しなくてはいけないということです。

ただ、盲目的に練習していけばいい、

そんなぬるい話ではないのです。

山のガイドさんとの打ち合わせ

少し、遠回りかもしれませんが

こんなことを考えてみてください。

例えば山に登りたい、

となったとき、

とにかく早く楽に

頂上へ着きたいと思ったら、

ヘリコプターで頂上に運んでもらえば

いいわけです。

けれど高い山であればあるほど、

身体ができていないのに、

いきなりヘリコプターから

頂上に落とされたら、

酸素も吸えず

高山病でやられて終わりです。

頂上の美しさも

味わうことはできません。

かといって、

登山のための体力づくりばかりしていて、

山の裾野をぐるぐる回っていても、

意味がないですよね。

どの登山道を

どのタイミングで

どんな装備で

どういう歩みで進むかは、

山のエキスパート、ガイドと、

それから登るその人自身と

綿密な打ち合わせをしないとなりません。

綿密な打ち合わせをするということは、

ただ受け身で言うことを

聞いているだけでは、

打ち合わせにならないのです。

ガイドにおんぶにだっこ、

言われたとおりにやろうとしても

そもそも、その通りになんて

できるわけがありません。

ガイドはどうやって

それを解決するかを提示し

登山する人はそれを受け取って

挑戦し、フィードバックをもらい、

また次なる問題点を抽出してもらいます。

フィードバックがあるから

次へつながるし、

受け取ったものを自分なりに

咀嚼するときには

細かなお互いの打ち合わせが不可欠です。

先生との密なやりとりなくして

上達などできるわけがなく、

むしろ、そのやり取りがレッスンで

一番大切なことでもあるのです。

「なんで、できないの」という言葉の中に

コミュニケーションを一方的に

打ち切りたいというようなニュアンスが

含まれているとしたら

それはあなたの先生ではなくて

成長を阻害する存在でしか

ないのです。

あなたと、あなたの先生は

どんなコミュニケーションを

培っていらっしゃるでしょうか。

お互いに響き合うような

そんな空間が

レッスンの時にあるでしょうか。

指導する、指導される、

それはなにかを習う、教わる、だけではない

もっと大きなこと、大きな交わりが

あります。

そして、それを可能にするのは

お互いの呼吸がシンクロしている、

つまり、身体と心が緩んで

どちらの動きにも合わせられるということ、

息を合わせるということなのだと

改めて感じてほしいと思います。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

指導者の方へ。

「この生徒さん、やめてほしいなあ」と

思うのはどんな時ですか。

その思いをどうやって伝えますか。

こんにちは。

前回、書き残した

「なんで、できないの！」について

続けます。

３つのポイント

以前、どんな先生につくべきか、

という話題だった時にも

お話したのですが

教えるとは

どういうことかというと

もちろん、いろんな表し方があるのですが

まずは基本的なことを言うと、

教える相手の（つまり、生徒さんの）

①どこができないか

②なぜできないか

③どうすればできるかの

三点セットのひとつでも欠けたら

ダメなんですね。

で、さらに大切なのは

全部同じウェイトではなくて、

そのバランスを生徒さんによって

変えることができるか、です。

たとえば、初心者に対しては

どうすればできるか、の

ウェイトを少し多めにしたほうが

いいのでしょうけれど、

熟練した相手の時は、

なぜできないかの方が

必要になってきます。

さらに生徒さんが上達すると、

できないところを指摘するように

シフトしていくことになります。

これ、反対にすると

悲惨なことになります。

初心者にできないところを指摘しても

凹むだけで、意味がないです。

ここのバランスを

ちゃんと取れるためには

先生が、生徒さんの実力を正しく把握している

というのが大前提です。

この正しく把握っていうのは

意外と難しいんですよね。

自分と違った表現だと、

直ちに却下、認めない、っていう先生

意外と多くて、驚いたりします。

家元制度の名残だろうか。

２通りのケースがある

で、問題の

「なんで、できないの」ですが

２通りのケースがあります。

ひとつ目は、

もし、あなたに向かって

「なんで、できないの」と

先生がおっしゃったとしたら

②なぜできないか

③どうすればできるか

を、きちんとわかっているうえで

（←これが大前提）

あなたをエキスパートだと

認識して言ってくださっている

場合はそれでいいのです。

つまり、先生はわかっておられる、

生徒もわかっている、

けれど、やっていない、と

いうことだからです。

二つ目、そうではなくて

あなたがエキスパートではないのに、

先生がそうおっしゃったとしたら、

これは全然別の意味になります。

つまり、先生が

①できていないところ・・・はわかるけど、

②なぜできないのか・・・・がわからない、

そのために

③どうすればできるようになるか・・・・わからない

ということになるわけなので、

この場合の「なんで、できないの」は

先生ご自身の呟きなんだな、と

静かに悟って、静かにそこから立ち去る、

が正解です。

時々猛者がいて、

先生に「なんでできないの！」と

言われて、

いや、それを知りたいから

レッスンに来てるんですうう

とはおくびにも出さず、

「申し訳ありません、

どうしてできないのかわかりません」と

反応すると

「自分でよく考えなさい」と

逆襲されるので

「考えても考えても

わからないので教えていただきたいです、

すみません」とさらに反応すると、

「そういう人は才能ないからやめなさい」と

トドメを食らって破門され、

その業界では

力のある先生なので

「あたし、終わった。。」みたいな話も聞きます。

はい、私ですね。はっはっは。

うーん、悲しい思い出になったので

やめます。

つづく。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

どなたかに師事されている方に。

先生は、あなたのことを

上手だと思っていらっしゃるでしょうか。

それとも煮ても焼いても、と

思っていらっしゃるでしょうか。

ご自分ではどう感じていますか。

こんにちは。

パフォーマンスの習得において

指導する、もしくは指導される、

そのどちらにもまたがる問題について

お話をしています。

先生の色には染まりません

前回はパフォーマンスを習得するには

客観的に自分を観てくれる存在が必要、

だから誰かに師事をするのだ、

というお話をしました。

しかし、そう言っても

いやいや、

誰かに教わるとその人の癖がつく、

狭い、偏った指導しか受けられない、

などと敬遠して

とにかくいろんな情報を集めるに限る、

自分に合ったものを

その中で見つけていく方がいい、

と言い張る方が

いらっしゃるんですよね。

そこまでいかなくても

何人もの先生に同時進行でついたり

いつも懐疑的なスタンスだったり。

本当に上手になるつもりがあるのかなあ、

と思うのです。

その先生の癖がつくぐらい

吸収出来てんのかいな、

いろんな先生の特長をそこの部分だけ

ピックアップする能力あるんかいな、

って思うわけです。ええ。

口が悪くてごめんなさい。

もちろん、初心者には

先生を見る目なんて

あるわけないので

仕方ないんですが。

高級食材集めまくり

たとえば、

なにかお料理を作るとします。

世界中から高級食材を取り寄せて

これぞ秘伝、みたいな作り方をすれば

美味しいものができるわけでは

ありませんよね。

超一流のシェフが作ったものには

到底かなわないんです。

だからこそ、どこに問題があるかを

チェックしてもらわないと

上達しないのです。

問題は、作る人が機械ではなく

人間なので、毎回違うことが起きる、

ということです。

それに加えて

ある程度できるようになったら

また違う問題があることが

やっとそこの段階になって発見できる

という、なんだかエンドレスなことが

待っているのです。

つまり、少なくともその分野において

自分を客観視できるレベルに

到達するまでは、指導者が必須で

その先になっても、

指導者がいることによって

得られることはとても大きいのです。

よく、「いくつまで習えばいいんですか」とか

「いつになったら

自分でできるようになりますか」など

お聞きになる方がいらっしゃるんですが

そういう疑問がなくなったとき、

とお答えしています。

なぜ指導者が必要なのかが

わかったとき、と言っても

いいかもしれません。

でも私も子供の頃は

「レッスンって何歳まで受けるもんなのかな」

「先生の先生、先生の先生の先生、キリないな」

って、思っていたことあります。

お恥ずかし。

えーと、この先、

なんでできないの、について

書こうと思って書き始めたら

ボリューム出てしまったので

次回に回します。

つづく。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

自分の師を超えた、と

思ったことがありますか。

こんにちは。

ここを読んでくださっている方は

表現のお仕事をしていたり

形は違うけれど

表現することを大切なものだと、

それが「芸術」でなくても

人生において

自分の思うところを

表現し続けていきたいと

思ってくださっている方が

多いように感じています。

そして

そういう方たちを

お教えするお仕事、

レスナーの方もいらっしゃることと

思います。

そこで、

「習う」「師事する」「教えを請う」

つまり、指導について

考えていること、疑問に思っていることを

お話していこうと思います。

習わなければダメ、の理由

どんな分野であっても、

上達のためには、

「指導を受ける」ことが必要になります。

これ、とても重要なことです。

誰にも教えを受けず、

教則本やネット、セミナーなどの情報も

一切取り入れない、

完全なる独学では

そもそも無理なわけですが、

時々「指導者につかないで

自分だけでやりたい」と

主張なさる方がおられます。

こっからちょいと毒舌です。

もちろん、どんな形でなさろうと

自由ですから

お好きになさればいいんですが

上手にはなりません。

そう言っても

これまた時々、

どうやって習得したんですか、と

お伺いすると、

「いやー自分でいろいろ工夫しただけですよ」とか

「ああでもないこうでもないと

やってみたらできちゃったんです」とか

「なんかね、ネットを探したら

結構いろんなのが出てたんで

それを取り入れてみたりしたんです」とか

すごく得意そうに

「別に誰に習わなくてもできるんだよ、

いちいち習わなきゃならないなんて

意味ないんだよ」的なオーラを出しまくる

方がいらっしゃるんですが

だからそれ以上のところに

行けないんじゃないでしょうかね、

って内心は思ってます。

いや、習わなくてもある程度は

できるようになるかもしれませんが

（ある程度の、ある、は

その人が思うよりも

実際は低いレベルです）

残念だけど、上達を望むなら、

それだと厳しいです。

なぜか。

いくつか理由がありますが

ひとつは、客観的に

自分を観てくれる存在が

得られないからです。

どこができていて、

どこができていないのかの

判断でさえ、

自分ではできない人がほとんどで、

むしろ、上手にならなければ

自分のできなささえ、

気づけないものなのです。

だから習わないとダメなのです。

だったら、もう誰にも習わない

大概の方は

ご自分の伸ばしたい分野

上手になりたいことを

成就するために

先生についてレッスンを始めます。

研修所や団体に属しつつ

レッスンを受ける方も

個人的に先生に師事なさる方も

自分のパフォーマンスを

観てくださる方を探すのです。

どんな先生につけばいいのか、というお話は

以前、こちらのブログで書きましたので

それをお読みくださればいいのですが

以前から

ずっと気になっていたことがあって

いくつかあるのですが

ひとつお話するとすると

「なんで、できないの」という先生に

どうやって対応してらっしゃるんだろうか、

と思うのです。

この手の先生に辟易して

もしくはキレて

「だったらもう誰にもつかない」という事案が

多数発生するのを

まのあたりにしてきたからです。

本当はそんなことしたら

結局、上手にはならないと

わかっていても

そうせざるを得ない状況に

なっているんだろうなあ、と。

そして、私もそうでした。

つづく。

こんにちは。

リラックスについてのお話、

観客との関係性について

最後にお話しようと思います。

ライブ感

パフォーマンス時に

観客がいるか、いないかで

大きく違う点の一つは

観客からエネルギーを得て

パフォーマンスが変わる、

新しく創造できることだと

いうことは

みなさまがよくご存じのことと

思います。

以前も申し上げたように

未熟なうちは

習ってきたこと

学んできたことを

「吐き出す」だけで精一杯ですが

インプットとアウトプット

両方が同時に起こるのです。

それは表現者自身のうちに

起こることでもありますが

観客との間にも確かに存在し

それが生き生きとした「ライブ感」に

なるのです。

観客との間に

エネルギー交換を行うためには

柔軟でいなければなりません。

なぜなら、

私たちは生きていて

呼吸していて

動いているからです。

固定されていないものを

キャッチするためには

自由でいなければならないからです。

受け取り、差し出すということは

ただ、緩んでいるだけではダメです。

だからこそ

「集中したリラックス」が

必要なのです。

上手にやる、のではない

パフォーマンスは

「上手になにかをやってのける」ことが

目的ではなくて

作品の偉大さを

自分と、もしくは他の人と

味わい、共有することですから

それがたとえ

オーディションであっても

試験であっても

コンクールであっても

その場にいるのは

感動を共有する仲間ですから

同じ呼吸を共有することになります。

目をつぶって

なにがなんだかわからないうちに

えいやー！と

鉄砲撃って終わり、ではありません。

それでは

何も伝わらないし

何も生まれないのです。

呼吸を同じくするためには

ご自分の呼吸がわからなければ

観客の呼吸なんて

わかりっこありません。

いくら、緊張しないような

いろんな方法を身に着けたところで

観て下さる、聴いて下さる方々は

毎回違うのですから

ひとつのやり方で強行突破は無理です。

もしそれでやるとしたら

観客を無視する以外ないのです。

それでは、エネルギー交換なんて

行えないのです。

リラックス、は

「いつも自分一人でやってるように

本番でもやるため」

にあるのではありません。

本番でしか得ることのできない

そういうものが欲しくて

パフォーマンスするのであれば

リラックスということを

もう一度考え直していただけると

いいなあ、と思っています。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

どんなお客さんが来てほしい、と

思っていますか。

こんにちは。

お話途中で

少し間が空きましたが

続けます。

リラックスについて

いくつかメッセージをいただきました。

レッスンで質問いただいたものは

実際にその場で解説したり

一緒にやってみて身体でわかるのですが

なかなか理論理屈で解説するのは

難しいし、誤解があると

つくづく思いました。

興味のある方は

どうぞ体験レッスンに

いらしてください。

実際に身体を動かして初めて

わかることがあると思いますので。

テキストを入力

前回、呼吸がリラックスを生む、

呼吸の仕事である、と

お話したのですが

では、なぜリラックスの状態を

呼吸が作るのか、

言葉にしようとすると

えーと、自律神経が安定するから、

酸素の供給がうまくいって、

身体の動きがスムーズになるから

・・・・

と、なんだか生物のお授業みたいな

ことになってしまわれるようです。

それって

どうでもいいっていうか

理論上はそうかもしれないけれど

実際にそんなことはどうでもよくて

リラックスできないと

悩んでいる人には

「だからどうすんの」に

なってしまうと思うので

ここでは言及しません。

そうではなくて

大切なことがわかっていないから

リラックスできないと

いうことを

みなさまに知っていただきたいと

思うのです。

リラックスには２種類ある

なぜこれだけたくさん

「リラックスしましょう」と

いうことが言われているのに、

「リラックスしたつもりだったけど、

うまくいかなかった」と

いうことが起こるのか、

そもそもリラックスが

どういうことを指すのかという質問が

生まれるかというと、

表現者におけるリラックスと、

一般的なリラックスとは、

全く意味が違うからです。

ブレイクスルー呼吸®のワークで導かれる

「リラックス」も、

パフォーマンスのためのリラックスと、

日常生活でのリラックスと

きっちり分けています。

みなさまがイメージする、

のんびりゆったり、

肉体的にも精神的にも弛緩した感じ、は

日常的なリラックスなので、

例えば寝落ちコースだと、

そのまま寝てしまえるように

プログラムしていますが、

この状態で演技、演奏などの

パフォーマンスは物理的にできません。

ただし、パフォーマンスの時に

不必要な緊張がある方には、

それを取り除く解決法のひとつになります。

パフォーマンスにおけるリラックス

パフォーマンスにおける

リラックスとは

絶対にそこから外れてはいけない、

そこしかない、

もっと集中した状態にある

ということです。

正しい場所にハマっていれば、

力がいらず、軽々と動けるのです。

これがリラックスです。

リラックスは集中です。

集中するから自由に広がれるのです。

どんなときでも、

ある一定のレベルの

パフォーマンスをするために、

これは絶対に必要なことなのですが、

例えば調子が悪い時は

通常よりも緊張してしまうわけで、

そんなときも助けてくれるのが、

このリラックスであって、

単に身体の力が抜けていては

意味がないのです。

そのために

ご自分の呼吸が

どういう状態になっているかを、

常日頃からウオッチしなくてはならない、

そこが呼吸のワークが

必要な理由なのです。

反対にいえば、

言葉通りの「リラックス」なら、

他にいくらでも方法があるので、

瞑想でもアファメーションでも

体操でも特定の食べ物や飲み物を取り入れるのでも、

好きなようにやっていただいて

かまわないのです。

そしてもうひとつ、

観客との関係性にも

触れなければならないと

思っています。

つづく。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

パフォーマンスの最初から最後まで

自分でコントロールしたいと

思いますか。

こんにちは。

リラックスについてのお話

続けます。

今回はリラックスを

どうとらえているか、についてです。

「間」ができないとリラックスはできない

普段はそうでもないのに

ここぞというときに

リラックスできないとおっしゃる方に

お話することが

いくつかあるのですが

ひとつめは

「リラックスを固定された状態だと

思っていませんか」

があります。

どんなときでも

身体や心は動いているので

ある特定の状態を狙ってしまうと

それだけで緊張が生まれます。

固まらせている、のです。

昔、物理の時間に習ったように

（あ、昔じゃない人もいるのかしらん）

慣性の法則、っていうのがあるんですが

簡単に言うと

物体が動き始めると

それを阻害するものがない限り

ずっとそのエネルギーの状態が続くので

動き続けることができますが

最初の動く瞬間は

エネルギーが必要となります。

なんでもそうですよね、

最初は、えいや、で始めなくてはダメで

始まってしまえば楽なんですよ。

なので、止まっている状態から

なにかを始めるのはとても大変です。

リラックスはこういう状態なんだと

そこにゴールを決めてしまうと

達成した時点で止まってしまいます。

そこからパフォーマンスをしようと

動くので

リラックスの状態から離れることになり

結局、元の木阿弥になります。

もちろん、

止まっているのと

動いてはいないけど

なにかが流れているのは

全く違います。

音楽での休符や

演技での動き、台詞がないところは

「お休み」ではないことは

みなさま百も承知だと思うのですが

その「間（ま）」を

どうやってとらえるかを

呼吸のレッスンでたくさん行うのは

そこがいちばん大切だからで

この「間」ができないと

リラックスはやってこないし、

これができていれば

リラックスを求めなくてもいい、

ということなのです。

心と身体とアタマを切り離す

もうひとつのお話としては

「リラックスはどこで感じるものだと

思いますか」

です。

え？どこで感じるって？

身体ですかね、どこにも力が入らない感じ、

とか、

気持ちが急かないで、のんびりっていうか

やすらかで穏やかな心の時でしょうか、

など

いろいろその方によって

違うと思います。

どんなときでも

身体と心はつながっているので

身体で感じたことを心に渡す、

心で感じたことを身体が受け止める

というようなことは

表現者の方にとって

当たり前、それがなくてはできない、

ことではあるのですが

実はここを切り離す経験をしていないと、

このつながりが強くなって暴走することを

わかっておられる方は

もしかしたら少ないかもしれません。

以前にもお話したかもしれませんが

心、身体、アタマ、のように

３つの存在を意識してるのに

（言い方はその方によって違うのでしょうが）

心の声を聴く、とか

身体の声を聴く、とか

その２つに関して特別なことのように

関連付けたりしていると

アタマが置いてけぼりになります。

思考が止まります。

そして

その３つは、

本当はちゃんと独立したものであるにかかわらず

一緒になることが好ましい

身体と心を一致させましょう、などと

思っているために距離がなくなり

それぞれの働き、機能が

１００％発揮できていないのです。

リラックスを

すべてのご自分で感じることは

身体がどうなっているのか

心がどうなっているのか

アタマがどうなっているのか

それぞれの働きが円滑に行われていることを

確認できる状態であるということです。

現場にいるのではなくて

統括するところにいないとならない、

みたいなものでしょうか。

とすれば

リラックスというのは

とても冷静な状態であって

単に身体の力が抜けていたり

気持ちが楽になったりする

その次の段階であるのだと

私は思っています。

こう書くと

なんだかすごおおおおく

難しくて

じゃ、どうやるのおおお、と

なりますよね。

それを簡単に実現してくれるのが

呼吸の仕事なのです。

つづく。

 小さなヒント
(解説は公式LINEにて）

知っている人が誰もいないパーティーに

出席しなくてはならないとします。

緊張しますか。

それともワクワクしますか。